ただ、それだけのはなし

ウィントンの、リンカーンセンターオーケストラ2026

Mon, 23 Mar 2026 10:31:52 +0900

　ウィントンの、コンサートに行って来たよ。

　JAZZ AT LINCOLN CENTER ORCHESTRA。

　ウィントン・マルサリスっていう、稀代のトランペッターがいてね。90年くらいには既に新進気鋭ながらジャズの中心にいたようなヒトで。マイルス・ディビスに正面から喧嘩売ったり、計算され尽くした正確無比なアドリブは冷たいっていわれたり、突然ディキシーにいって帰ってこなかったり。

　これからどんな活躍をしてくれるんだろう、って期待が膨らんでいるところで、1992年にJAZZ AT LINCOLN CENTER ORCHESTRAの音楽監督になったんだよね。

　このオーケストラ（ジャズではビッグバンドのことをオーケストラって言うんだよ）は、当時の僕の認識では、ニューヨークの、音楽の中心に居を構える、ジャズというゲージツを保存し、啓蒙するためのハウスオーケストラ、というもので。

　ジャズは芸術であり、エリントンは世界最大の音楽家だ、っていうウィントンには天職だろうけれど、ジャズは娯楽であり、一見冷たそうなウィントンから（わりとすぐに）こぼれ落ちる情熱の欠片が大好き、という僕には、なかなか聴く機会が、ライブであれレコードであれ、喪われそうなことが残念だったんだよね。

　だから、僕が生で見たウィントンは、マウントフジジャズフェスティバルでの、自身のバンドと、、夜のジャムセッションでのラシェル・フェレルとの饗宴や、ディジー・ガレスピービッグバンドへの飛び入りのマンテカなど、いろんなバンドへの飛び入り参加。

　そのあとは、ピットインでのエルビン・ジョーンズとの至上の愛ライブ、いくつかのホールでのコンサート、くらいなのかな。シンフォニーホールで横から聴いたのって、セプテットだったっけ?　

　2，3年前に、オクテットで聴いたのが、だから何十年ぶり、とかいう感じだったのかな。ビッグバンドは、はじめてなんだよね、今回が。

　あのウィントンが、若くして男子一生の仕事と定めたリンカーンセンターオーケストラ。どんな演奏してくれるんだろうね。

　東京からツアーで廻ってきていたから、FaceBookとかにはツアーの写真や、エリック宮城さんの感想とかもアップされていて。それは楽しみをかき立てるだけれど、自分の耳で聴くのが一番の楽しみだよね。

　チケットは、一般発売日の朝に取ったにもかかわらず、2階席三列目の端の方で。当然会場は超満員。そんなに安いチケットではないから、もう少し席選びに余裕があると思ってたのだけれどもね。客層は、ロマンスグレーの育ちが良さそうなご夫婦、奥様方と、ジャズ演ってます、演ってましたの人たち。7:3くらいなのかな。

　ステージには、こぢんまりと見えるセッティング。4トランペット、3トロンボーン、5リード、3リズムの15人。

　時間になって、真っ先に出てくるウィントン、トランペットの端の席に座って。フリーで吹き始めた。

　7枚組のライブ盤、ヴィレッジヴァンガードだっけ、あの頃に良く聴かれた、アップテンポで、無伴奏のソロ。これぞウィントン。

　いつの間にか、バンドのメンバーも入ってきて、演奏にリズムが入って、そしてトゥッティ。曲は、セロニアス・モンクのFour in One。

　何じゃこりゃ。

　アップテンポのビバップ曲だから、難しいフレーズが続くのだけれど、トロンボンも含めてのフレーズ、そしてびたりと決まる「ッカッ」っていうドゥ。

　15人で出しているとは思えない、シャープな音。音の重なりによるうねりとか、そういうのではなくって、コンボでやっているような、キレキレのフレーズにハーモニーがついている、そんな感じ。

　なんか、ビッグバンドっていうもののイメージをひっくり返されたな。とはいえ、生で聴いた常設のビッグバンドって、うたばんのアロージャズオーケストラと、アマチュアの宇治金くらいか。あんまり生で聴く機会がないものね。

　アンサンブルはキメキメで、各人のソロは、後ろからウィントンの目が光っている、と思うからなのか、勢いに任せたものでは無く、よく考えられた、無駄な音のない知的な（？）ソロ。

　ピアノは僕の好きなパラパラ系。

　いやあ、しあわせだなあ。

　短めの休憩を挟んで、2部はじまりは、ゲストピアニストの角野隼斗。この人もパラパラ系で、最初のスウィングの曲はかっこよかった。

　いやあ、しあわせだなあ。

　と浸りながら、曲と時間は過ぎていって、はっと気がついたんだよね。

　あれ、ウィントン、最初の曲しかソロ吹いてない。

　そう、バンマスのウィントンは、MCはやるけれど、各曲でソロを、ということは全くなく、一人のトランペッターとして演奏していたんだよね。

　ビッグバンドがすごすぎてあんまり思わなかったけど、やっぱりウィントンのソロ、聴きたいなあ。

　というところで、最後の曲ではウィントンのソロもたっぷり聴けて。

　アンコールではセプテット編成でディキシーものを演奏してくれて。この曲が一番客席盛り上がってたから、お客さんはウィントンをきちんと知っている人たちなんだね。すごいな。

　男子一生の仕事として、リンカーンセンターオーケストラを選んだウィントン。コンボで新しいジャズを作っていくのを見ることが出来なかったのは淋しいけれど、芸術としてのジャズをこうやって聴かせてくれて、ありがとう。

　今度は、20年も待たせないでね。

　ただ、それだけのはなし。

大阪市民管弦楽団の、ブラームス第2番第101回定期演奏会

Mon, 16 Mar 2026 17:31:24 +0900

　大阪市民管弦楽団の、演奏会に行って来たよ。

　第101回定期演奏会。

　前回のマーラーから、半年だっけ。半年ごとに演奏会って、結構大変だよね、ご苦労様。

　今回は、ワーグナーのマイスタージンガー前奏曲と、ハイドンのロンドン交響曲、そしてブラームスの交響曲第2番。ハイドンはやや短めとはいえ、立派な交響曲2曲の、欲張りなプログラムだね。

　WBCの準々決勝を気にしつつ、直前に入った座席は2階席の最前列。尾高さんのベートーヴェンを聴いた席とほぼ一緒。どんな演奏してくれるんだろう、楽しみ。

　演奏はね。

　もちろん、第一部から楽しく聴かせてもらったのだけれど、そんなこと吹っ飛んでしまうくらいの、休憩後のブラームス。上手く言葉にならないんだけど、ブラームスから始めさせてもらうね。

　ブラームス、交響曲第2番。

　ブラームスは、4曲の交響曲を遺したのだけれど、人気があって演奏頻度が高いのは1番と4番だよね。4曲しかないから、チクルス形式で演奏されることも多いし、ひとつの演奏会で1，4番ではハードすぎるからだろうけれど、1，2番と3，4番っていう組み合わせで演奏されることもあるから聴かない曲ではないけれど、単独でメインを張る曲としては「渋い」と思われる、そういうイメージの曲だったんだよね、僕の中で。

　ちょっと前に、ムーティ／シカゴ響でブラームスの1，2番を聴いた時に、2番の方が楽しめたな、って思ったはずなのだけれど、それでもまだ、「渋い」と思ってしまうんだよね。

　ところが。

　なんだこれ。

　さっき（第一部）と、全然音が違う。ブラームスの音、とも違う。

　うきうきして、わくわくする、そういう音、そういうグルーヴ。そう、グルーヴに満ちあふれた音楽。クラシックに使う言葉かどうか解らないけど、最大級の、褒め言葉。

　ブラームスの曲って、なんか箱庭を枠越しにみているようなイメージがあるんだよね。音の外枠が決まっていて、そこから外に出て行く伸びやかさがあんまりない。それは、高校生の頃に、室内アンテナでノイズの入るFM放送をエアチェックして聴いた時のイメージなのか、ファゴット、オーボエのダブルリードが輪郭を作っているからなのかよく解らないけれど、生で聴いても録音を聴いても、そういう枠を感じる演奏が多いんだよね。

　ところが、この演奏、全くそういう匂いがしなくって。

　金管だってそれなりに強奏してるのに、ワーグナーで感じたような突き刺すようなゴロゴロ感（多分席のせいで感じる）がなく、丸くて跳ねる、いいバランスで。

　そして、ホルン。

　第一楽章のオブリガード（？）は可憐に、第二楽章のソロでは朗々と、大地に根を張ったような存在感。いいなあ。

　パンフレットに、ブラームスの田園、と書かれていたけれど、然もありなん、だね。

　どこだったか忘れちゃったけど、フレーズ中のディミュニエンドとかリタルダンドとか、そういうところの揃い方が、曲の練習をたくさんしているんだろうなあ、って感じられていいんだよね。

　でも、聴いているうちに、アマチュアの演奏会だってこと、全く忘れて、聴き惚れてました。

　アンコールの、ハンガリー舞曲7番（だっけ）では、確かにブラームスの音になってたんだよね、不思議。

　この週、オケの演奏会は3回目だったんだよね。大フィル／オオウエエイジの名曲コンサート（ルスランとリュドミラ、中央アジアの平原にて、スペイン奇想曲、シェヘラザード）と、PACの定期（シベリウス2番他）。ドイツ語圏の音楽から離れた演奏会が続いていたから、正統派のドイツ語圏の音楽（ドイツなのかオーストリアなのかの区別がついてないんだ）を堂々と聴かせてくれて、ありがとう。

　ワーグナーもハイドンも、十分楽しんだのだけれど、ブラームスのインパクトが強すぎて、感想が飛んでっちゃった。ごめんなさい。

　ハイドンのラッパ、あの楽器バロック用ですか？凄いですね。

　素晴らしい演奏を、ありがとう。

　また、よろしくね。

　ただ、それだけのはなし。

お疲れ様でした！ Mt.Uji Jazz Fes.2025

Wed, 17 Dec 2025 14:53:55 +0900

　大昔、トロンボン吹きだったことがあってね。

　高校の吹奏楽部で、それまでのユーフォニウムからトロンボンに乗り換えて。その部活が、ジャズの演奏に力を入れている部で。

　その影響から、大学に入ってもジャズ研、それと並行して、高校のOBが主体となって作ったBig Bandにも所属していたんだよね。

　就職して大阪に来ちゃったけど、何の因果か2年目からはつくばに転勤になったから、また復帰して。つくばから大阪に帰るまではお世話になったんだ。

　それから、もう30年近く経つんだけどね。

　その間、そのBig Bandは、年2回の活動、夏のコンサートと、冬のジャズフェスをほぼ欠かさず継続していてね。

　なんと驚くべきことに、メンバーもあんまり替わってないんだよね。

　そのバンド、Special 宇治金時 Lunchtimesっていうんだけどね。長いから、宇治金、って呼ぶけれど。

　宇治金は、僕の所属していた高校の吹奏楽部OBが中心になって結成したBig Bandで。最初はそんなに人数がいなかったのかな、現役の先輩も何人かトラで借り出されていて。

　僕が新入生のとき、先輩が出るから（OBがやっているから）ってことでお客さんとして動員させられたコンサート、確か第4回、って書いてあったのかな。

　それを4年目、と数えると、40年以上、続いているバンド、なんだよね。

　そのバンドの、冬のフェスティバル、「Mt. Uji Jazz Festival 2025」に、お邪魔してきました。

　つくばから、大阪に戻ったのが30年近く前だから、それ以降夏、冬合わせて50回以上のライブを宇治金は行っている勘定で。そのうち、僕が大阪から聴きにいったのは今度で多分3回目。だから、熱心な聴き手、というわけでは全くないのだけれどもね。

　Mt. Uji Jazz Festivalは、ビッグバンドである宇治金と、そこから派生した、あるいはそこから人のつながりで誘ったコンボがいくつか出演して、コンボ、ジャムセッション、そしてBig Bandっていう、午後3時から始まって8時前くらいまでやっている、フルサイズの立派なお祭り、なんだよね。

　会場は、浦和のライブハウス、ナルシス。半地下に分厚い扉を開けて入る、伝統的なライブハウス。

　最後に来てからもう10年以上？くらい？経ってるから、どんな顔して入ろうか、と、リハも大詰めの頃に顔を出したんだよね。

　まあ、予想通り、「おう、ひさしぶり」「どこ住んでんの今?　大阪から?」であとは普通に仲間に入れてもらって。ありがたいもんだね。

　会場設営など、お邪魔になりそうなのでいったん街をぶらついて。昭和の純喫茶で珈琲飲んで。

　開場後に再入場。

　薄暗い階段降りて、重い扉を開けて。小さなカウンターでチケット買って、ハイボールもらって。

　最初のバンドは、しいたけALL STARS。サザンのカヴァーバンドなんだけど、専任パーカッションからブラス隊、コーラスまで入った10人編成。

　セミプロのブラス、パーカッションを従えて、ひたすらサザンを愛するボーカルが気持ちよさそうに歌う。

　聴いててね、ブラスのパンチがかっこいいとか、コーラス効果的だな、とか。いろいろ思ったのだけれど。なによりボーカルの方の桑田愛が凄い。しゃくり方とか細かいニュアンスとか、ものすごく聞き込んでるんだろうなあ。あ、この元ネタはライブ盤だな、とか。

　ちょっと前に、ボブディランのオリジナルアルバムを多分はじめて聴いたときに、桑田、桜井さんの歌ってこの真似じゃね、って思ったのだけれど。イヤイヤ真似じゃなくって影響うけてるの、って考えると、このボーカルはホントに桑田さんの影響受けてるんだね。

　それを、この豪華なバンドを従えて、オープナーなのに満員のライブハウスで唄える贅沢さ。それを聴きながら酒を飲める贅沢さ。

　穴蔵のようなライブハウスの広いとは言えないステージは、10人乗ったら結構キツキツで、どうやって最後のビッグバンド乗るんだっけ、って余計な心配しながら楽しんだよ。

　次は、青山卓トリオ。3人とも宇治金のメンバーではないけれど、永らく出演しているコンボのメンバーを含む、正統的なピアノトリオ。

　この、正統的な、っていうのは難しい（？）言葉でね。

　ちょっと前に、Blue Giantっていうアニメ映画があったのだけれど。テナー吹きの高校生が「世界一のジャズマンになる」って云ってがんばる映画なのだけれど。

　この主人公は、パーカーやコルトレーンを聴きながら、ソニー・スティットっていいよね、とかいいながら、仲間を集めてライブハウスで演奏するのだけれど。

　その演奏が、バキバキのコンテンポラリーでね。上原ひろみが音楽担当だから、まあそうなのだけれど。

　それまでの流れで、世界一のジャズマンになる、っていうことで。最初に演奏するのはインプレッションとかコンファメーションとか、そんな感じの曲だと、なんとなく思い込んでいたんだよね。めちゃめちゃかっこいい曲を聴きながら、ああ、正統的なジャズってもうおじさんのものでは無いんだな、って思ったんだよね。

　あ、青山卓トリオね。

　こちらもだから、バップ時代のジャズではなく、最新の正統的なジャズ。

　キメキメのオリジナルから始まって、チックコリアのハンプティダンプティ。それからペトルチアーニ、そして最後は上原ひろみ。

　難しい曲なのに淡々と土台を作るベースと、好き勝手に遊び回るドラム。それをまとめるピアノ。なんか、ジャズ聴いたなあ、っていう満足感がある演奏だったね。打ち上げで、ドラムがリードだって聞いて、さもあらん、って思ったんだよね。ドラマーの選曲はえげつないからね。

　さて、順調に酒も進んで、3杯目からはジンライム。

　お次は、クニヤス率いるViSCo。ビブラフォンでスタンダードとコンテンポラリーをやるバンドだから ViSCo、だそうで。

　クニヤスさんは、宇治金のドラム・パーカッション担当なのだけれど、いろいろやりたいことが多いんだろうね。いろんな形態でバンドを作ってマウントウジを盛り上げてる。

　ちょっと前からFaceBookでビブラホンのレッスンに通ってる、っていっていて。そのブランニューな成果のお披露目。（っていうのは10年ぶりに聞く僕目線ね）

　ブレッカーブラザースのリユニオンの時の曲や、ソフトリー-朝日のように爽やかに-とか、まさにビブラホンでスタンダードとコンテンポラリ。

　このバンド、クニヤスさんに、鳥居、須田、笹田という、僕が宇治金に入ったときから変わらないリズムセクションなんだよね。ジャズに入り始めたときにすり込まれた音。なんか、懐かしいしほっとするし。帰ってきた、って感じがしたな。

　続いては、MMJG。歴史の長いバンドでね。僕がたまに聴きに来るときはいつも演ってるんだ。Mixiで集まった仲間だからMixiなんとかJazz Groupっていってたような気がするけれど、まだMixiで連絡してるのかしら?　

　このバンドは、それこそBlue Giantで上原ひろみがやったような曲を、テナー、ラッパ、トロンボンの3フロントで演奏するハイテンションなバンドで。仙台のジャズフェスに17回も出ているらしい。

　フロントの西片さん、金子さんも、僕がすり込まれたプレイヤーでね、西片さんのブロウ、これもまた故郷に帰ってきた、って感じるんだよね。

　ジャズって、簡単な取り決めだけですぐにみんなでひとつの曲を奏でられるんだよね。ソロの受け渡しで、何人でも参加できる。

　マウントウジには、ジャムセッションの時間があってね、出演者でもそうでなくても、演奏に参加できるんだ。もう四半世紀も、プラスチックの楽器を飾ってあるだけの僕は参加しなかったけどね。

　何曲か演奏したのだけれど、ラッパ3本でやったのなんの曲だっけ。3ラッパのセッションって、クリフォードブラウン、クラークテリーにいじめられるメイナードファーガソンのセッションが思い浮かぶけど、今回はみんな芸達者で面白く聴けました。

　ということで、そんなに押しもせずにビッグバンド。さっき10人でキツキツと思ったステージに、20人が並んで。

　この前ナベサダのビッグバンド聴いたけど、うたばんではない、純粋なビッグバンド、久しぶりだな。

　今回のフェスでは、入場時にQRコードがたくさん載ったチラシを配っていて。そこを辿ると、メンバーやセトリの紹介から、ビッグバンドの各曲用の小ネタまで、いろいろなものが仕込んであって。MCも担当している中山さんの力作なのだけれど。

　その小ネタを紹介しながら、1曲ずつ丁寧にMCを挟んで曲が進行していくのだけれど。まあ、40年前から演奏している人が多くて、休憩が必要なんだよね。わかるわかる。

　何曲か、僕がいるときに演奏した曲もあって。Basie Straight Aheadとか、Jamieとか。

　そういう曲を口ずさみながら聴くと、前よりも格段に迫力を増したトゥッティの中に、聴き慣れた、というよりすり込まれたタイコのおかずとか、ピアノのポロン、っていうソロの入りとか、フレーズの中で異なる八分音符の揺れ方とか。

　そういう音が、保存されているんだ。いや、新しく生み出されて、生み出され続けているんだ。

　ずっと前、僕がつくばから大阪に戻って来てしばらく経った頃、元バンマスが、最近の宇治金ってとんでもないことになってる、それを分かる人に聞いてほしい、っていってCDを送ってくれたことがあったけど。

　30年近くの時を超えて生で聴く演奏は、更にとんでもないことになっていて。でも多分、ステージの上の人たちはそんなことに気がついていないんだろうなあ。

　そんなことに気がついていないのは、選曲にも現れていて。歳取らないなあ。永遠の20代のようにきつい曲が多いセトリで、後半のバテ方も宇治金らしいなあって、楽しく聴いてました。

　打ち上げまで入れてもらって、ありがとうございました。

　今度は50周年記念の時かな。それまでごきげんよう。

　ただ、それだけのはなし。

渡辺貞夫 92歳のBe-Bopの鬼

Fri, 05 Dec 2025 12:40:47 +0900

　12月だね。

　温暖な大阪にいると、ちょっと寒いな、で済んでいるけれど、もう雪の季節、なんだよね。年末だものね。

　年末だからなのか、クリスマスだからなのか、たまたまなのか。いろんな演奏会が目白押しでね。聴くだけではもったいないので、つたない言葉としてできるだけ残そうと思っているんだよね。

　というわけで、渡辺貞夫のコンサートに行って来たよ。

　ナベサダは、今年92歳、ということなのだけれど。日本のジャズを作ったヒト、なんだよね。

　東京ブギウギとか北村英治とか、進駐軍のバーで演奏していた歌謡曲をジャズ、って呼んだ時代から、バークリーでアメリカのジャズを学んだナベサダが帰っててきて、日本にモダンジャズを持ち込んだ。

　そのモダンジャズを、芸大出の山下洋輔が一生懸命勉強して、「ブルーノート研究」、っていうテキストにして、それをみんなで研究して。そうやって日本のモダンジャズを作っていったんだ。

　っていうのが、僕が生まれた頃の話でね。

　僕が大学生になって、バブルの恩恵、Mt. Fuji Jazz Festivalっていう天国のようなお祭りではじめてナベサダを聴いたときには、「カリフォルニア・シャワー」とか、「My Dear Life」とかの、渡辺香津美とやっているフュージョン音楽のヒト、と思っていたんだよね。

　温暖化の進んだいまの気候では考えられないけれど、バブル絶頂期の晩夏の山中湖では、三日三晩のジャズのお祭りが繰り広げられていてね。僕らは十何人のバンド仲間で貸別荘を借り切って、でっかいクーラーボックスに氷とビールとバーボンを満たして。飲めない酒に頭ガンガンになりながら、音程の不確かなナベサダのソプラノサックスに、なぜだか分からないけど涙が出てきた記憶があるよ。

　40年近く前だから、かすかに、ね。

　それ以来、東京JAZZと、フェニーチェ堺のこけら落としで聴いたのかな。

　いまでも精力的にコンサートや、ビルボードでのライブをやっているのは知っていたのだけれど。今回やっと重い腰を上げて、西宮のKOBELCOホールで聴いてきたよ。ビッグバンドを引き連れての、渡辺貞夫。

　KOBELCOホール、というか兵庫芸術文化センターは、年末にHyogoクリスマス・ジャズ・フェスティバルって銘打って、ジャズのコンサートをいくつか開催するのだけれど。

　去年は中川英二郎君とお父さんのデキシージャズのコンサートに行ったな。小曽根真とブランフォード・マルサリスもこの一環だったっけ？

　今年は、ナベサダの他には小曽根のビックバンド、北村英治のクインテット、アロージャズオーケストラと東京キューバンボーイズの対決とか、いろいろ見どころあるんだけど。僕はナベサダを選んだんだよ。去年の暮れに年間スケジュールが発表された時から楽しみにしていて、健康状態が良好でありますように、って祈っていたんだ。ヒノテルさんは中止になっちゃったんだよね。北村さんは、なんとチケットが取れなかった(;｡;)。

　さて、今回のナベサダは、ビックバンドをしたがえての登場。

　僕の前の列に座っていたロマンスグレーの髪の綺麗な三人のおばさま達がいろいろ喋っていたのだけれど。「オーケストラと一緒なんて、一人ではきついんやろうなあ」とか、「そういえばヒノテルさん、元気にしてはるんやろか」とか。きっと僕なんかよりずっと長い間、日本のジャズを見てきた人たちなんだろうなあ。

　西宮、という土地柄か、平日5時開演、という時間設定からか、そういう、年季の入ったジャズファンが多そうなお客さん達。

　ハコ譜面台が並んだステージに、続々入ってくるミュージシャン。

　驚いたことに、ナベサダが最初に入ってきて、ピアノの前の、マイクスタンドだけが立っている場所に陣取る。バンドが先に入って、テーマとかイントロみたいのを音出しした後に主役が入ってくる、みたいなのを予想していたんだけど、ナベサダは一ミュージシャンであり、そして紛れもない主役、そういう存在なんだね。

　右側に位置するホーンセクションから独立して、真ん中にトロンボンの席がひとつ。コンマスの村田陽一さんの席。コンマスがサックスだと合図出すのにみんなが見れるけど、トロンボンだとそうか、前に出てなきゃいけないんだね。

　演奏はね。

　一曲一曲、ナベサダが次の曲を確認しながらMCをしながら、淡々と進んでいくのだけれど。

　ひさびさに聴く生ビックバンド。これがいいんだなあ。エリックミヤシロや中川英二郎が入ったテンション高い演奏ではなくて、早稲田大学のハイソサエティ・オーケストラのOBバンドが演るベイシーみたいな。ゆるいけど、キメのアクセントが決まる。そういう演奏。

　その、バンドサウンドの中を、ナベサダの音が駆け回る。

　アルト一本のナベサダは、ソプラノを吹くフュージョンプレイヤーではなく、ナベサダが魅せられ、アメリカで吸収したBopの化身で。

　それも、Be-Bop、なんだよね。

　バップBopって、ビバップBe-BopとハードバップHard Bopってあるんだけど。

　ビッグバンドによるスゥイングなど、白人向けのダンス音楽全盛の折、そこから締め出された黒人ミュージシャンが、酒場で少人数で演奏していたのがBe-Bop。だいたいサックスとラッパとリズム、っていう編成が多かったと思うけれど。観客の反応がダイレクトに伝わる小さい酒場で始まった演奏は、あいつより俺がかっこいい、っていうことを見せつけるための場でもあったんだよね。

　あいつより俺が目立つ、かっこいい、もてる。そのための音楽だから、こんなのできる？できないだろう。っていうように音楽が先鋭化していく。

　曲はどんどん速く、テーマはどんどん複雑に。サックスのアドリブはブッ速の節回しで、ラッパはひたすらでかい音、高い音。これがBe-Bop。王者はアルトサックスのチャーリー・パーカーと、ラッパのディジー・ガレスピー。

　ガレスピーとのコンビを解消したパーカーは、お坊ちゃんのマイルス・ディビスを従えるのだけれど、速いアドリブできない、でかい音、高い音も出ないマイルスはいつもこてんぱんにされていて。

　そんないじめられっ子のマイルスが、もっとみんな仲良くしようよ、バンド全体で、曲全体でお客さんを沸かそうよ、って作ったのが、クールジャズ、そしてHard-Bop。

　ユニゾンでブッ速のテーマのあとはアドリブ合戦、っていう喧嘩(=Be-Bop)から抜け出して、ゆったりとしたテーマでアレンジも加えて、リフも作って。曲として、演奏として聴いてもらいましょう、それがハードバップ。

　結局ハードバップも、俺こんなんできるぜ、ってだんだん複雑になっていくコルトレーンみたいのが出てきて、もうコード進行辞めよう、スケールだけ決めよう、っていうモードジャズが揺り返しとしてあって。

　モードジャズの傑作である「カインド・オブ・ブルー」っていうアルバムがとどめの一撃になって、Bop自体が終わってしまったんだよね。（個人の感想です）

　まあいいや。なんの話だったっけ?　

　あ、ナベサダね。

　ナベサダの演奏は、Be-Bopの匂いがプンプンするんだよね。それも、そんなに好戦的でウケをねらった外連に満ちた演奏ではなく、そのなめらかなフレーズとアイデアで圧倒しようとするチャーリー・パーカーのBop。

　なんか、そういうの、久しく聴く機会がなくてね。東京ジャズのナベサダも、Be-Bop Nightって銘打っていたから、ナベサダと云えばBe-Bopなのだろうけれど。ルーニーが相棒のこの演奏ではあんまりBe-Bopを感じなかった僕の中では未だに「カリフォルニア・シャワー」のイメージが強くって。あんまりナベサダとBe-Bopが結びついてなかったんだ。

　と、そんなことを言っていたら、僕にジャズを教えてくれて、Mt.Fujiも一緒に見ていた大先輩が、こんなのやってたやん、っていって、1988年のMt.FujiでのナベサダとジャッキーマクリーンのConfirmationの映像を教えてくれたんだ。

　いやあ、凄い。88年だから、僕も見ているはずなのだけれど。あんまり記憶にないなあ、いまなら垂涎の組み合わせなんだけどね。

　Confirmationっていう、ブッ速、テーマ複雑のBe-Bopの曲を、当時角川映画「キャバレー」に使われた「Left Alone」で有名だったジャッキーとナベサダがバトルしているのだけれど。アルトのくせに豪快に歌いあげるヴァン・ゲルダーサウンドの申し子、Hard-Bopの七福神（?)の一人、ジャッキー・マクリーンと吹いているナベサダは、結構熱い血潮を滾らせるバリバリ系、なんだよね。

　それから40年近くたって。

　さすがに油の抜けた92歳のナベサダは、それでも音に色艶を失わず。力みのない、よどみのないフレーズがパーカーを彷彿とさせて。

　そして、数少ない僕の知っている曲、エリントンの「Things ain't what they usued to be(昔は良かったね)」と「Solitude」。特にバラードであるSolitude。刺さったなあ。

　二時間超のステージ、ずっと立って演奏、MCをこなしたナベサダさん。

　92歳の管楽器奏者っていうだけで凄いのに、演奏が凄い。ビッグバンドに負けない音が凄い。

　いやあ、凄かった。

　ありがとう、ナベサダさん。

　ただ、それだけのはなし。

くつろぎのジャズフェス@福井＝ジャズ井 UAと山下洋輔の饗宴

Thu, 27 Nov 2025 11:34:34 +0900

　長い夏がやっとどこかに行って、山には雪、野には紅葉のいい季節がやってきたね。

　小春日和の北陸で、ほっこりするジャズフェスに行ってきたよ。

　大人のくつろぎ音楽堂フェス　JAZZ井。

　館内放送を聞いているとJazzyって読ませたいみたいだけど、JAZZ-iって読むよね。福井のJAZZ井、だもんね。

　福井には、立派な音楽堂があって。いまではハーモニーホールっていうのかな。国道8号線を車で走っていると、背の高い立派な街路樹の向こうに悠然とそそり立ってるんだよね。気にはなっていたのだけれど、今回、初見参。

　フェスだからね、ビール飲みながらでしょう、っていうことで福井駅から路面電車で30分かけてとことことホールへ。広大な緑の敷地と、同じくらい広大な駐車場。そうだよね、1時間に1，2本の2両編成の電車で30分かけてくる人はそんなにいないよね。

　あ、フェスの出演者はね。僕の興味でいうと、コロナ禍以降何回も聴いているUAと、学生時代から折に触れて聴いてきた山下洋輔。そして、「東京大学のアルバート・アイラー」などの著作を読んではいるけれど、実はまだ聴いたことがない菊地成孔。この3人がメインの目当てなんだよね。

　最近、山下洋輔が年内で演奏活動の休止を発表したから、図らずも僕にとって多分、最後の生山下。楽しみが募るよね。

　開演の1時間前の会場の、更にその前に到着した僕らは、ホールのある公園（？）を散策して、借景のようなもみじ、なのか楓なのかプラタナスなのかの並木まで足を伸ばしたら、それは僕が3時間前に通った国道8号線の街路樹で。車で行けばホンの15分の道を、歩きと電車で1時間くらいかけてはるばる来たんだなあ、って思ったんだ。（当日、大阪から福井の家人の部屋にクルマで行って、それから音楽堂に来たんだよね）　

　それもこれも、フェスの枕詞、ビールのためなんだけれど。

　ひとしきり散策してもまだ開場していないけれど、歩き疲れたのでロビーに入ろうとしたら。ロビー前の屋外に立食用のテーブルを置いたテントとキッチンカー3台。係員さんがフェスのポスターを貼っている。

　おお、これは、本格的な野外フェスの情景じゃないか。演奏はホールだけど。開場時間より前だからか、キッチンカーも準備中だけど。

　ホールのホワイエはワインバーになるらしい。

　開場時間になってオープンしたキッチンカー。3台はケーキ、ビール、揚げ物をそれぞれ担当していたのだけれど、僕が取り付いたのはもちろんビール。アイリッシュビールのIPA、おいしくいただきました。

　開場を待って入ったホールは、なんと立派なクラシック用のホール。二階席まである椅子の配置も心なしか広くって、なんて贅沢なんだ、福井。

　そんなこんなで、満員の音楽堂。

　トップバッターは、ソエジマトシキ& Nahokimama。ギターとラッパのデュオっていう珍しい形態なんだけど、ギターのソエジマさんは、最近エリック・クラプトンが来日したときに絶賛していたギタリスト。どっかのワイドショーで見たときには、そんな人がいるんだ、って思っただけだけど、ここで聴けるんだ、贅沢。

　ソエジマさんのギターは、まるっこい音を出す癒やし系のギターで、奥さんのNahokomamaはギターで伴奏もすればラッパも吹けば歌も唄う大活躍。オリジナルと、僕でも知っているカヴァー曲、Isn't She Lovelyとかで、見事に大人のくつろぎ感を醸成してくれました。

　続いて休憩なしで、このフェスのサウンドプロデューサー、福井出身の坪口昌恭率いるTextures。デラルスのパーカッショニスト大儀さんも入っているピアノトリオ＋パーカッションのバンドで、そこにゲストの菊地成孔。

　菊地さんは、フリーのサックス吹き、っていうイメージなんだよね。フリーのっていうのは、流しのっていう意味ではなく、フリージャズのっていう意味なのだけれど。端正なカルテットに、菊地さんの咆哮が飛び込んで、更にインテリっぽいラップまで披露する菊地さん。結構なお歳だと思うのだけれど、パワフルな演奏、楽しみました。途中で、ツアー中のスカパラからキーボードとサックスの方も来てくれて、大盛り上がり。

　40分のワイン休憩を挟んで、山下洋輔。

　なのだけれど、この40分のワイン休憩、入ったと同時にワインバーには長蛇の列、そして屋外の3台のキッチンカーもテントに入りきらない長い列ができて、僕はそうそうにアルコール再投入を諦めました。。

　山下洋輔は、云うまでもなく、日本のモダンジャズを創った人の一人で。それこそ安保の時代に消防服で燃えるピアノを叩いていた頃から、現在に至るまで、機会があれば聞きたいミュージシャンなんだよね。僕は、学生時代の金沢のもっきりやで、グランドピアノをさわりながら聴いたのが初めてで、その後は、クラシックやバンドやビッグバンド、いろいろな形態で聴いているけれど、今回はどんな演奏なんだろう。

　会場にセットされているのは、グランドピアノひとつと、離れたところにキーボード。

　開演。いつもの白いスラックスにベストで入ってきた山下さん。最初はソロで。

　年末で演奏活動休止を発表した山下さん。もちろん、かつてのキレキレの、指の一本一本が肘打ちしてるなじゃないか、っていうパワフルな演奏スタイルではなくなったのだけれど、それでも弾けば山下洋輔。

　3曲目、ソロ最後の曲は、ボレロ。高校生の頃、センチメンタルっていうソロアルバムに入っていたボレロ、良く聴いたな。

　そこからは坪口さんが入って寿限無からの曲とか、菊地成孔も入って大きな古時計とか。

　大きな古時計は、学生の頃、もっきりやで聴いたとき、山下洋輔の対面でグランドピアノさわりながらうとうとしてしまった記憶があるんだよね。平井堅がカヴァーするずっと前だけど。気持ちよかったんだろうね。

　僕にとって多分最後の山下洋輔。その演奏、いろんな形で披露してくれて、肘打ちまでしてくれて、ありがとう。

　時間が押してるのか、次の休憩は少し短めで、UA。

　UAといえば、以前このフェスに参加している菊地成孔とジャズのアルバムを作ったことがあるよね。cure jazz。好きだったなあ。

　フェスだから、こういう組み合わせもありなのか。ジャズフェスだから、UAがジャズ歌うのか、と思っていたら。

　なんと、UAはどこまで行っても、UAのステージをやり遂げた。

　このごろ、女性のコーラスを従えてひと頃のダイアン・リーヴスみたいなアフリカンなステージをしていた印象があるのだけれど、今回はドラム・ベース・ギターのトリオを従えて、シングル曲多めのお披露目ステージ。客席もUA目当ての人が結構多かったんだろうね、「こんなのジャズじゃないわ」って怒り出す人もなく、なんかMCの声は少し出づらそうだったけれど、歌はさすがのUA。この前の30周年ライブもすげー、って思ったけど、今回も凄かった。

　そして、アンコール。

　仕事で移動した人もいたけれど、残っていた人みんなで、Night in Tunisia。UAの家将凄い。この曲の歌バージョンはマンハッタン・トランスファーでしか知らないけど、マントラに入れるぞ。

　山下洋輔も出てきてくれて、ホントの聴き納め。ちょっと泪。うそだけど。

　終演後は駅に急いで、逃したら40分待ちの2両編成の電車に、何とかみんな乗れたようでした。

　ああ、面白かった。

　福井の小粋なジャズフェス。これからも続けてね。

　ただ、それだけのはなし。

デュトワの魔術決定版!! ダフニスとクロエ

Wed, 26 Nov 2025 13:39:22 +0900

　コロナ禍での来日中止が印象に残っているけれど、大フィルさんの客演も常連になってきたデュトワ。ありがたいね。

　2022年のペトルーシュカ、23年のラヴァルスに引き続き、今年はなんと、ダフニスとクロエの全曲。

　デュトワのダフクロ、って、僕らの間では伝説的な名演奏、なんだよね。今回のではなく、1980年録音、モントリオール交響楽団の、ダフニスとクロエ全曲、がね。あ、僕らっていうのは、高校時代のブラバン仲間ね。

　なんでかっていうとね。1986年、僕らが高三の夏、埼玉県の吹奏楽コンクール。僕たちの演奏はどうしょうもない評価を受けて、あっけなく終わったのだけれど、その翌日（？）に行われた選考会を聴きにいったんだ。埼玉県は吹奏楽の激戦区で高校数も多いから、県内の地区ごとに予選があって、その金賞の中でも優秀校が、関東大会に進むための選考会を行うのだけれど。

　その、選考会。昨年ディオニソスの祭りで全国大会に出場した埼玉栄高校は、招待演奏、という位置づけだったと思うけど。そこで演奏されたのが、ダフニスとクロエ。

　もう、この演奏がね。

　圧倒的。

　それは、前にも書いたことがあるからくり返さないけれど、吹奏楽っていうフォーマットでこれ以上の演奏はないなって、吹奏楽団で演奏することに未練を残さない、くらいのインパクトだったんだよね。

　その、埼玉栄のダフクロのマスターテープ、って当時云っていたけれど、お手本としていた演奏が、デュトワ/モントリオール響の演奏でね。後でそれを聞いたら、あまりのそっくり振りに呆れるやら感心するやらだったのだけれども。

　ダフニスとクロエって、フランスの作曲家モーリス・ラヴェルのバレエ音楽。全曲は60分くらいかかる、合唱付きの豪華絢爛な曲なのだけれど、コンサート用に短く編集された第一、第二組曲っていうのもあって、演奏回数はそちらの方が多いのかな。

　デュトワのCDは全曲版で、出はじめのCDにはなぜかトラックが切られておらず、60分1トラックの扱いに困るCDだったんだよね。曲中に「夜明け」っていう場面があって、当時まだ自家用車で行けた9月の乗鞍スカイラインでご来光を拝むのに、日の出の時間に合わせて「夜明け」の場面を聴こうと開始の時間を考えて長い曲を聴いてたのはいい想い出だな。

　その後、いざご来光、と車の外に出て、結局は聴こえなかったのだけれど。（ちゃんとしたプレイヤーだと、インデックスが切ってあって飛べるのだけれど、後付け車載のCDプレイヤーではそんな機能ないんだよね）

　まあ、いいや。

　というわけで、80年代学生時代の僕にとっては、デュトワはムーティと並ぶ同時代のヒーローであって、デュトワのダフクロは、ムーティのローマ三部作やボレロと並んで、クラシックを聴き始めるお気に入りの演奏だったんだよね。

　というわけで、大フィルさん。定期はいつも二日目、土曜日に聴きに行くのだけれど、今回は別のコンサートと重なって、一日目に変更。いつもと同じ列でいつもよりも右側の席。どう聴こえるんだろう。

　第一部は、モーツァルトのピアノ協奏曲。ラヴェルよりもずいぶん小さい編成（あたり前）で奏でられたその曲は。

　なんだか。

　モーツァルトの曲って、誰が演奏してもモーツァルトの曲で、演奏者の顔が前に出ることはない、って思っていてね。だから、生演奏でモーツァルトを好んで聴くことはしないんだけれど。この演奏は、なんだろう、モーツァルトが前面に出てくる訳でもなく、デュトワに期待するフレンチの香りが匂い立つわけでもなく。生々しい、「響き」になれない「音」が聴こえてくるんだよね。

　小菅優のピアノは、僕好みのパラパラ系ではなく、コロコロ系（音の分離よりも丸みを帯び手音のつながりを聴かせるような演奏?　）の音で。演奏前に読んだプログラムで、カデンツァはモーツァルトではない誰かの書き譜だ、って云うのを知ったのもあって、そんなに拍手喝采、というわけではなかったんだよね。別に書き譜が悪いわけではないのだけれど、ジャズピアニストの「尺が変わる」カデンツァを聴き慣れていたから、そういうものだと思っていたんだよね。

　まあいいや、メインはダフクロだもんね。

　大フィルの音楽監督である尾高忠明は、「僕はウィーン風の雅な音楽をやりたいけれど、大フィルはどんどんがなりたがる」みたいなことを言っていて。ここ最近の尾高さんの指揮は、がなる大フィルを押さえられないのか諦めたのか、あんまりデリカシーの感じられない演奏が多いと感じられるのだけれど。

　でも、大フィルさんは、指揮者によってがなるだけではない、凄い音を出すことがあるんだよね、時々。クシシュトフのハルサイとか、ヴィンシャーマンの管弦楽組曲とか。最近（？）では、スラトキンのコープランドとか。

　デュトワも、そういう魔法を大いに期待できる指揮者で、そしてなによりもダフクロ。どんな音を聴かせてくれるんだろう。

　バレエ音楽だから、バロック建築のような構造美とか、軽やかなメロディが織りなす物語、とかよりも、場面場面のフレーズの綺麗さとか、管楽器やハープや、どんな楽器でもアクセントになる自在な色彩感を楽しむための曲だよね。

　最初、弦が重たいな、って少しだけ思ったのだけれど。クラリネットがキラッて入ってきたり、ハープが弦楽器に絡まったりすれは、それはとたんにフランス、デュトワ節。

　ホルンの音を堪能したり、トランペットのタンギングって、どんな譜割なんだろうって思ったり。1時間ぶっ続けのびっくり箱。

　そして、夜明け。

　僕は誤解していたんだ。埼玉栄のダフクロで、クラリネットが演じる細かなさざ波。夜明けの序奏なのだけれど、これ、弦楽器がやっているのをクラに移植したのかと思っていたのだけれど。実は、オーケストラでもクラリネットでやっていたんだね。いや、でも、クラリネット（2本?）だけでこんな音は出せないはず、どうやっているんだろう。これが、ラヴェルマジック。そして、目の前で演じられる、デュトワマジック。

　しかも、今回は合唱入りだよ。歌詞のない合唱が、大フィルさんの、がなる音の粒子の間に入り込んで、全体をひとつの響きにまとめ上げる。気持ちを盛り上げる。

　そこからは、寄せては返す音の大波、打ち寄せるごとに大きくなって。

　最後は一気呵成。

　埼玉栄高校のドキュメンタリーの書籍「心の音楽（うた）を奏でよう」っていうのがあって、その中で、ダフクロの全国大会での演奏の熱狂を、「あまり聴き慣れないクラシックの曲に、自身も出場者である聴衆は何が何だか分からないまま、熱狂だけが高じて、終演と共にギャーと言葉にならない叫び声と拍手で会場が満たされた」みたいなことが書いてあって。

　そりゃあそうだよ。

　分かってたって、ギャーとしか叫べないよ。

　この演奏を聴きに、高校時代のトロンボン仲間が埼玉から駆けつけたのだけれど、終演後にひと言「今日だけはブラヴォーおじさんを許す」って送ってきた。そうだよね。この曲には指揮者の棒が降りてから、静寂から沸き起こる拍手、っていうのは似合わないよね。

　いやあ、いいなあ。

　魔法にかかった大フィルさん。

　こんなんあるから、また次回を楽しみに通ってしまうんだよね。

　ありがとう、デュトワ。また来てね。

大阪フィルハーモニー交響楽団　第593回定期演奏会

2025年11月21日　＠フェスティバルホール

指揮：シャルル・デュトワ

ピアノ：小菅　優

合唱：大阪フィルハーモニー合唱団

モーツァルト　ピアノ協奏曲　第22番

ラヴェル　バレエ音楽「ダフニスとクロエ」全曲

宝島映画篇

Tue, 18 Nov 2025 16:11:15 +0900

　このところ、昭和の、あの戦争の頃の映画をいくつか見たのだけれど。

　国宝、は現在お年寄りの若い頃、ということでの60年代。

　遠い山なみの光、は長崎原爆の体験者の回想、ということでの50年代。

　そして、今回見たのは、「宝島」。米国に占領された沖縄のものがたり。

　前の二つが、ブンガク的な映画、だとしたら、宝島は、堂々たるエンターティンメントの大作映画。すごい、楽しい。

　アメリカに占領されて、基地があって、米兵の暴虐に文句も言えない、終戦後の沖縄。

　若いギャング達が、キャンプに忍び込んで物資を調達して義賊を気取るけど、ある日、そのボスは帰ってこなくって。

　時は経って、ある者はボスを探すために刑事になり、ある者はボスに貞節を誓い続けていて、ある者は喰うためにヤクザになり、テロリストに片足を踏み入れている。

　そういう、いろんな立場の人たち、そして群衆の感情が爆発するクライマックス。

　ちまちましたセットとCGではない、と思える熱気と爆発の温度感と。ハウリングを恐れないゲインの高い音と沖縄言葉と入り交じる英語で何言ってるか分からないところもあるけれど。そんなことをものともしない、テンションの高い映画、だったね。

　至るところで爆発する火炎瓶やひっくり返されるクルマや。感情のままにあふれ出す叫び声や啖呵や。世の中やオトナに対して向けられる、欺瞞をさしてえぐり出すナイフのような目や。

　いいなあ。

　ジョゼと虎と魚たち、以来くらいにちゃんと見る妻夫木君も。デスノートのイメージが強い窪田君も。ゆきてかへらぬ、から大正昭和づいている広瀬すずも。

　いいなあ。

　広瀬すず。

　典型的なアイドル女優として、チアダンとか、ちはやふるの印象が鮮烈だった彼女も、いろんなラブストーリーとかラブコメとかピンクのウィッグとサングラスとかを経て、ムシューダのCMではないけれど、「連ドラのヒロイン風ワンピ」とか、もう少し前の時代のドレスとかを着こなす近代物に、たくさん出るようになったね。

　作品数が多くて、ついて行くのは大変だけれど。

　でも、あんまりないけれど、映画を見に行くときに女優で観に行く人の一人になったよ。ラストレターの時には、顔と名前が一致してなかったけれど。

　いいなあ。

　広瀬すず作品としては、遠い山なみの光と同時期に、同時代だけど全く違う作品を残してくれたことが。

　長尺の大作、ということでは、芸を突き詰めた（そして結果的に大ヒットした）国宝と同時期に、エンタメてんこ盛りの作品を堂々と世に送り出してくれたことが。

　なんか、映画って、いいね。

　来週は、何見ようかな。

　ただ、それだけのはなし。

遠い山なみの光映画篇

Tue, 18 Nov 2025 16:08:03 +0900

　遠い山なみの光

　こわい、映画だったね。思ってたのと、全然、違う。

　1950年代、終戦から、ゲンバクからの復興真っ盛りの、長崎。

　そして、1980年代、携帯電話ができる前の、イギリス。

　この二つの時代と場所を舞台に、二つの物語が進むのだけれど。

　長崎では、会社員の夫を持つ妊娠中の妻。そこに校長をリタイアした義父が訪ねてきて。という舞台に、謎の母子がひょんな事から妊娠中の妻と知り合って。という形で物語が進んでいって。

　イギリスでは、複雑な事情がありそうな母子。離れて暮らす母の家に、原爆の時代の長崎の家族の手記を書こうとしている娘がインタビューする、という形で進んでいく。

　どうやら、長崎パートの妊娠中の妻、悦子（広瀬すず）が、イギリスパートの母親、悦子（吉田羊）であって、インタビューは、彼女が長崎でどういう生活をして、なぜイギリスに来たのか、ということを聞こうとしている様で。

　イギリスの家の古い荷物から出てくる、若い頃のお母さん、悦子の写真は広瀬すずだし、役名もそうなのだけれども。

　悦子は、会社員の夫を持ち妊娠中で、昔ヴァイオリンを弾いていた様だけれど、海外に行きたい、というこれといった欲望もなくて。

　知り合い母子の佐知子（二階堂ふみ）は、GIが頻繁に家に訪ねてくるからパンパンだと街中に思われていて。GIが自分たちをアメリカに連れてってくれる、と信じて準備を進めている。

　英語も、子供の頃から勉強していて、ディケンズの本を原書で読み、観光に来ている外国人とも話ができ、日本を出てアメリカに暮らすのを心待ちにしている。

　イギリスの悦子の娘はどう見ても白人とのハーフで、名前もアメリカ名のニキ。どうやらニキには姉がいたらしいが、自殺して、葬儀にも参列しない程仲が悪かったらしい。姉の方は日本名。

　長崎では、女性が人間として可能性を持つためには、海外に行かなければならない、と信じる佐知子（二階堂ふみ）に感化されてか、悦子（広瀬すず）も嫁いでから自分のやりたいことを見失っていると思い始めて。

　夫に隠しているけれど、実は長崎で被爆した身で子供を授かっていることに不安と恐怖を覚えていて。

　そんなことを経験としてくぐり抜けて、したたかに生きている佐知子（二階堂ふみ）を、どこか眩しく思っている悦子（広瀬すず）。

　イギリスの母親悦子（吉田羊）が、娘に聞かれて思いだした、という、それまで語らなかった終戦後の佐知子（二階堂ふみ）のエピソード。

　長崎では、明日にもアメリカに向けて発つ、その準備をしている佐知子（二階堂ふみ）。娘の飼っていた猫を連れて行く、棄てていくで口論になって。

　その、猫を入れている木箱。その木箱をお祭りの射的で獲った母子の乗る路上電車を、街角から見る目。遠景だけれど、悦子（吉田羊）の目。

　ロンドンでは、これまで入らなかった自殺した姉の部屋に入ったニキ。母が日本から持ってきただろう古い荷物を眺めている。

　昔の写真、義父が帰郷する際に残した手紙、そして、それらを入れている木箱は。

　猫の家にするため、佐知子（二階堂ふみ）の娘が射的で獲った木箱。

　長崎。

　ロープウェイに乗り合わせた海外の観光客と世間話をする悦子（広瀬すず）。むずがる子供を叱る悦子（広瀬すず）。

　ちょっと前には、同じ観光客と喋っているのは佐知子（二階堂ふみ）で、子供を叱っているのも佐知子（二階堂ふみ）のシーンがあって。

　こわいよね、怖い。

　長崎パートは、イギリスで悦子（吉田羊）が娘のニキに語ったことを映像にしているんだよね。

　母親が、娘に、こうであったと思わせたいはなし。母親が、娘に知られたくない、聞かせたくないことを避けた、物語。

　佐知子（二階堂ふみ）に影響を受けて海外に行くことになった、と悦子（吉田羊）は云っていたけれど、佐知子（二階堂ふみ）は本当にいたのか。

　結婚し、妊娠していた悦子（広瀬すず）、イギリスに連れてきて、自殺したのはお腹の中の子供なのか、それとも佐知子（二階堂ふみ）の子供（として長崎パートに出ていた子供）なのか。残された写真からは、佐知子（二階堂ふみ）の子供と同じ人に見えるけれど。

　何かを隠すために、空想、あるいは悪夢の中で佐知子（二階堂ふみ）をこしらえて、自分の物語を佐知子（二階堂ふみ）に仮託しようとした。その物語は、もちろんどこかで破綻をする。その破綻が、バスを見ていた、悦子（吉田羊）の目。

　外国人と観光地で話をし、子供を叱りつける、悦子（広瀬すず）。

　だとしたら、悦子（吉田羊）は、何を隠したかったんだろう。

　会社員との結婚生活。義父の教育者としての、退職後の挫折。それは、ホントにあったのかなかったのか。

　小説読んで、映画もう一度見てみたいな。

　ただ、それだけのはなし

国宝まずは映画から

Fri, 14 Nov 2025 14:21:47 +0900

　ちょっと前になるけれど。

　久しぶりに、映画館に行ったよ。

　「国宝」。

　歌舞伎役者の子供と、十代半ばでその家に拾われた、歌舞伎に魅入られた孤児。同い年の二人は共に芸を学び、若くして二人組として人気を博するけれど、、、

　血筋と努力と才能と、そして友情と反発と。

　そういったものを行きつ戻りつしながら、おたがいの生き様と、周りの人を描いた、重厚な物語、なんだよね。

　興行収入一〇〇億円に達しよう、っていう映画だから、良く知っている人も多いと思うのだけれど。若手の俳優二人が、真正面から歌舞伎の、女形の演技に挑んだことで、話題になっていたよね。

　サービスデーなどの特典のない、平日の午前中だったのだけれど、驚くべきことに映画館は4列目以降ほぼ満員でね。ぼくの両隣にも人がいて、ちょっと窮屈だったから、空いている3列目に移動して鑑賞したのだけれど。

　3時間っていう上映時間、退屈しないのかな、って思っていたのだけれど、失礼しました。退屈どころか、もっと長くても良かったかな、って思ってしまいました。

　この映画、もしも観に行こうか迷っていたり、サブスクで見たらいいや、と思っている人がいたら、断然、間違いなく映画館で見ることをおすすめします。

　個人的には、映画館の、前の方の席で、スクリーンの右側と左側を注視するためには首を曲げないといけないくらいの距離で観るのがいいと思うけど、それはまあ、好き好きだけれどもね。

　なんでかって言うと。

　この映画、歌舞伎の場面が多くって。歌舞伎って、常日頃から慣れ親しんでいる人ってそんなに多くないと思うけれど、やたらゆっくりでまどろっこしい、そういうイメージを持っているヒトが多いのかな、と想像するんだよね。

　その、やたらゆっくりでまどろっこしい歌舞伎の。演技の中に秘められた芸や感情を、アップを多用した緊張感の中に見せていこう。そういうことを目論んで、かなりの部分成功している映画、だと思うからね。

　でも、そういうゆったりしたテンポ感の中にある緊張感とか、細部の芸とか感情っていうのは、日常生活から切り離された時間空間で、一点だけを見つめる、そういう鑑賞方法でしか十分には感じられない、と思うんだよね。

　多分、明るいリビングや自室のスマホで、いろいろなことをやりながらこの作品を切れ切れに観たら、歌舞伎のシーンは早回しでいいや、ってことになってしまうと思うんだよね。それって、ホントにもったいない。だから、映画館でみて欲しいなあ、と思うんだよ。

　これから先は、ネタバレも含むから、観た人、これから観る人は観た後にまた、ね。

　この映画、企画して製作して、完成までこぎ着けたこと、ホントに敬意を表します。そして、日本映画史上屈指の興行収入を得るほどの大ヒット、本当におめでとうございます。

　多分、怖かったと思うんだよね。

　この映画の成否って、吉沢亮と横浜流星、その子役達の、歌舞伎の演技にかかってるよね。主演の二人は、何年も練習にかけた、って何かに書いてあったけど、そんなに前から企画が進んでお金を出していた人たちがいる、ってことだもんね。

　もし、この二人が、一見して偽物って分かる素人の女形しかできなかったら、ただのアイドル映画に成り下がってしまう。そのリスクは、結構大きかったと思うんだよね。

　だから、本当におめでとうございます。

　歌舞伎の演技ってすごい、っていうことを、存分に感じることができました。

　それは、吉沢亮と横浜流星の演技そのものであったり、アップを多用したカメラワークであったり、劇中で演技を観ている人たちの反応と台詞であったり。そういう、素人にも分かりやすいしかけが随所に施されていることも承知しつつ、そこに引き込まれることが心地よい、っていう空間だったんだよね。

　もちろん、完璧じゃない、って思うところもあって。

　劇中で流れる時間が長いから、歌舞伎以外のシーンが紙芝居になってしまっているな、と思うこともあるし（高畑充希の心変わりとか、森七菜の突然の登場と退場とか）。

　悪魔に魂を売った、いわゆるありふれたクロスロード伝説の覚悟と「失った物」の大きさが全く感じられなかったとか。

　でもまあ、そういうのは、ストーリーを進めるための仕掛けである、と思っても良いのだけれど。

　ひとつだけ、どうしてもよく分からないところがあるんだよね。

　人間国宝になった吉沢亮がインタビューを受けるところで。「順風満帆の役者人生でしたが」っていわれるところがあって。いや、順風満帆じゃない、っていう話をいままでしていたのに、と思ったのだけれど。

　歌舞伎に復帰してからは永らく順風満帆だったよね、なのか、過去のいざこざなんてなかったことになるんだよね、なのか。いずれにしても何か感情的に引っかかる筈の（そのための）言葉なのかと思うのだけれど、なんかスルーされた気がするんだよね。

　なんのために、フックになるこの言葉を使ったのか、よく分からないままになっちゃったな。

　平日の午前中、観客席を埋めたのはほぼシルバー世代の人たちで。そういう人たちを大挙して劇場に呼べる大人の映画が出現したこと、映画業界にとっても本当に、良かったね。

　吉沢亮さんが成し遂げた偉業を、称賛します。曽根崎心中、すごかったです。

　ただ、それだけのはなし。

ウィーンフィルの、ブルックナー5番

Sun, 09 Nov 2025 09:29:42 +0900

　さて、アイナちゃんの次は。

　ウィーン・フィルの演奏会に、行ってきたよ。

　クリスティアン・ティーレマン指揮

　ブルックナー　交響曲第五番。

　ウィーンフィルは、コロナの時も含めて、毎年来てくれているんだよね。世界最高のオケの演奏を大阪で聴ける機会なのだけれど、お財布の事情から毎年聴きに行く、というわけにはいかないのだけれども、ね。

　前回は、というよりこれが初めてのウィーンフィルだったのだけれど、ズービン・メータ指揮のブルックナー8番。何年前だっけ?　それ以来のブルックナー、ということではあったのだけれど、今回はちょっとの間、チケット取るのを躊躇したんだよね。ティーレマンって名前は知っているけれど、CDとかでも聴いたことないし、5番って云う無骨な交響曲が、ウィーンフィルで聴くのにあっている曲なのかもあんまりイメージできなかったし。

　それでも、バンバンくる宣伝や、どんどん少なくなる残席を見ているうちに、やっぱりチケット買っちゃったんだよね。買っちゃえば、なんで悩んでたんだろう、って忘れるくらい、楽しみにしていたのだけれど。

　悩んだ分、席は一階席の後ろ側で、でも、指揮者の真正面（真背面？）のど真ん中で。いつも大フィルさんを聴いている席から10列ほど後ろの席。どんな音がするのかな。

　オケは、第二ヴァイオリンが右側に、弦バスが左側に位置した両翼の構え（っていうんだっけ?）。ラッパが右に、トロンボンが左にいる。ワグナーチューバはこの曲では使わないんだっけ。ホルンは一列に並んでる。

　オケが入場して、チューニングが済んで。

　颯爽と入場するティーレマン。

　かすかな、ピチカートから、曲が始まって、そしてすぐに金管のトゥッティ。

　聴き慣れた5番のはじまりなんだけど、ちょっとだけど、確実にある、違和感。

　なんだろう、ってもっと耳を澄ます。

　ピチカートの音。消え入りそうな、でも澄み切った、音。こんなにイントロ長かったっけ。多分、家で普通の音量で聴くCDでは、ほとんど聴こえないから、なかったことにされているんだね。

　そして、金管のコード。こんなにバリバリと粒の粗い音を出すんだ。ウィーンフィルの金管。それでも、いつもより10列後ろの席までは、あんまり届かない。張り出した二階席のせいで天井が低いからかな。

　そして、ティーレマンの指揮。テンポが揺れる。フレーズの中でアッチェランドやリタルダンドをくり返す。ブルックナーはインテンポ、っていうのを宇野こうほうに叩き込まれ、朝比奈さんの演奏でそれをすり込まれた僕にとっては、違和感。第5番は、壮大な音のバロック建築。そのバロック建築が、不揃いの石でくみ上げられていく。すき間が存在する。

　そういう、違和感。もちろん、偏った演奏を偏愛する僕が感じているだけ、なのだけれども、ね。

　でも、だからってつまらないとかよくない、とかではなくて。そして、アンサンブルが狂っている、という事でももちろんなくて。

　うねりのある、多少デコボコの山道を駆け下りていくハイジとペーター、そんな絵を思い浮かべながら、ブルックナーの若い演奏ってこういうものなのかも、と思いながら聴いてたんだよね。何しろ、僕が好んで聴いているブルックナーは、90歳前後のおじいさんの演奏が多いから。

　その、うねったバロック建築の隙間を埋めて有り余るのが、木管楽器の凄さ。特にオーボエとクラリネット。こんなに太くて自信に満ちて、ただ一人でホールを包み込む毅然としたオーボエの音、ってあるんだ、っていうくらいの存在感。そのオーボエやホルンとカラムクラリネットのあったかい音色。木管のソロは、オーケストラに対して全く埋没しないで、うるさくない存在感を主張する。

　そして、弦楽器。どの瞬間か忘れちゃたけど、「あ、ビオラの胴が鳴ってる」って思った瞬間があったんだよね。こういう瞬間のために、大枚はたいてこれからも生の演奏を聴きに行きたいなあ、っていう、そういうしあわせの瞬間。

　高校時代のブラバンのコーチが、「ウィーンフィルは音程がピタッと合っているわけではないけれど、それぞれの楽器の響きが豊かだから合っているように聴こえる」って言っていたのだけれど。音程が合っていない弦楽器が、トゥッティでこんなに澄んだ音を出せますか、って。ピチカートもフレーズもコードも、左側の弦バスとか、いつもと違う方向から聴こえてくる、いつも聴いている音とは違う、響き。すごいな。

　最初、バリバリと粗い印象を持った金管だけど、途中でとてつもない繊細さと透明感のコラールなどもあって、わざとやっている事が分かったのだけれども。

　その勢いで最終楽章。5番の4楽章って、金管が大活躍で、まさにこれまで築きあげてきた壮大なバロック建築の大伽藍に響き渡るファンファーレ、っていう所なのだけれど。

　僕は、ブルックナーを聴き始めの頃、ブルックナーの金管のコラールは、さらば宇宙戦艦ヤマトの、宇宙空母アンドロメダが率いる地球防衛軍の核酸波動砲一斉放射みたいだな、って思っていて。あるいは、ウルトラマンのスペシウム光線に対する悟空のカメハメハ砲とか。

　何が言いたいかっていうと、点光源でやってくるのではなくて、面で迫ってくる音、それがブルックナーのコラール、なんだよね。

　第5番の最後って、音量的にも、それまで一時間以上吹き続けてきた金管楽器に獲って、きついところで更に一段ギアを上げる必要があるのだけれど。

　朝比奈さんは、この最後のコーダのために、金管を倍管にして控えさせていたくらいで。（朝比奈さんがシカゴ響を振ったときに、コーダのためにホルンのアシスタントをつけようとして、楽団員から「オレたちが倍の音で吹くからアシをつけるのは辞めてくれ」と言われた、っていうエピソードがあるんだよね。）

　もちろん、ウィーンフィルにもアシなんてなくって。

　一組のティンパニを内側と外側、二人の奏者で叩き、全員の競争の上に金管の雄叫びが炸裂するコーダ。

　音が天井に吸い込まれて。

　ティーレマンの指揮棒が下りて、弛緩するまでの永い間の静寂。

　そして、拍手とブラヴォー。

　すごいな、ウィーンフィル。

　また来てね。たまに、行くからね。

　ところで、この円安、物価高の世の中で、そんなにチケット代が上がっていないのは、スポンサーの大和ハウスさんががんばってくれているのかな。ありがとうございます。

　ただ、それだけのはなし　

アイナ・ジ・エンド革命は終わらない!!

Thu, 30 Oct 2025 13:56:21 +0900

　コンサートホールにはよく行くのだけれど、その何分の一かの回数で、ライブハウス、っていう所にも行ったりするんだよね。この間のブルースフェスは、なんばHATCHだったし。

　なのだけれど、オールスタンディングのライブハウスは、久しぶり。何年前になるかな、Salyuのライブ、その前は、あゆのファンクラブ限定ライブもスタンディングだったかな。スタレビのNo Balladsの二日目はスタンディングだっけ、一日目は2階席で座ってみたけれど。

　あれから、ずいぶん経ったけれど。オールスタンディングのライブハウス、あゆのライブを観たZepp Osaka Baysideに、いってきたよ。アイナ・ジ・エンドのライブを観に、ね。

　アイナ・ジ・エンド、僕はアイナちゃんっていわせてもらうけれど。BiSHに独特の声の子がいるっていうのは知っていたけれど、僕にとってはKirieが最初だったんだよね。

　岩井俊二の映画、キリエのうた、で、歌は唄えるけれど喋ることができない路上ミュージシャンのルカことKirieを演じたアイナちゃん。映画は当然のことながら、Kirieが歌うシーンが満載で。

　震災で家族を喪ったKirieの、引き裂かれた心を裏返しにして絞り出すような歌声に、どうしようもなく惹きつけられて。映画館に3回観に行ったのが、アイナちゃんの歌との出会い。

　それから、ミュージカルのジャニスをテレビで観たり、出ているアルバムを買い漁ったり。おまけのライブ映像を観たりして。

　ライブのチケットも秒で売り切れ、みたいに言われていたから生で観るのは難しいな、って思っていたのだけれど。

　幸運にも、プリセールの抽選でチケットが取れてね。行ってきたよ。

　久しぶりのZepp Osaka Bayside。ユニバのすぐ近くのライブハウス。あゆやスタレビ観に来たのここだっけ？　もっと寂れてた印象があるのだけれど。まあ、ずっと昔のことだからね。

　スタンディングで1000人以上も入れるおっきな箱。ビール片手に陣取ったのは、アイナちゃんの表情も十分見れる場所。

　ライブハウスにあるまじきおっきなステージには、ライブハウスにあるまじき二階建てのセット。

　今回の、ライブハウスツアーのタイトルは、革命道中。

　僕の中でのアイナちゃんといえば、BiSH時代を全く知らないから、痛みを唄う歌手なんだよね。あの、バーボンで焼けたのどから絞り出すような、かすれた倍音を含んだ声。居場所を見つけられない心を唄ったフラジャイルな歌。それがアイナ・ジ・エンドだったのだけれど。セカンドアルバムについていた最初のライブ映像や、キリエの歌のサウンドトラックくらいまでは、それが色濃かったのだけれど。

　だったのだけれど。

　3枚目のアルバム、RUBY POPでは、Pop色が強くなって、その後にリリースされた、今回のツアータイトルの革命道中のようなシングルでは、J-Popの真ん中にずっといます、みたいな風格が出てきたんだよね。

　ちょっと前に、あいみょんのことを、「キワモノとしてメジャーにデビューして、シングル3枚でJ-Popのど真ん中にいる」っていった人がいたけれど、アイナちゃんも、アルバム3枚で、J-Popの真ん中に場所をこじ開けたんだね。

　まあ、もともとアイドルグループの一員だったのだから、いるべき場所に還ってきた、っていうことなのだろうけれどもね。

　ということで、ライブは。

　なんか久しぶりに観たよ。なんていうか、ケチのつけようのない、ライブ。

　PA完璧。

　ダンス完璧。

　アイナちゃん歌うまい。

　　上手いっていうか、精確。

　なにより、アイナちゃんの歌や立ち居振る舞いがポップスターで。映像で観ていたいくつかのライブに比べて、自信に満ちあふれているのがすごくよかった。

　堂々としたポップの歌に混じって、キンモクセイとか、そのつぎのアカペラの曲とか。痛みを唄うアイナちゃんも堪能したし。

　BiSHの曲の、お客さんのテンションの上がり方はすごかったね。大多数が、BiSH時代からのファンなんだろうね。

　僕は、アルバムは買っているし聴いているけれど、曲のタイトルは知らないし、唄えるほど聞き込んではいない、っていうくらいの半端者なのだけれど。

　耳覚えのある曲が大半で。

　PAのバランスなのか、アイナちゃんの声質なのか、バンドに埋もれることなく歌詞もよく聴き取れて。地声や裏声や、倍音まで含めてきちんとコントロールしているアイナちゃんの歌、よく伝わってきたよ。

　Popの最前線で闘うアイドル（？）のライブって、10年くらい前まで通っていたあゆ以来だけど（ビルボードで観た黒木渚はちょっと違うよね）、すごい。ライブハウスっていう、距離の近いところで観られるのも嬉しいね。

　また、チケット取れたらお邪魔させてもらいます。

　ただ、それだけのはなし。

尾高さんの、最後の？、ベートーヴェンチクルス I

Sat, 11 Oct 2025 15:32:33 +0900

　久しぶりに、連続のシンフォニーホール。

　尾高さんの、今年の特別演奏会は、ベートーヴェンのチクルス。

　大フィルは、創設者の朝比奈さんが、「指揮者たるもの、自分のオケを持ったらベートーヴェンを全曲演奏すべし」っていう考えを持っていたからなのかどうか、指揮者が変わるたびにベートーヴェン交響曲の全曲を振ることが多いよね。

　朝比奈さんの晩年、定期と企画演奏会、それに年末の第九を組み合わせた1年間で全曲演奏。オオウエエイジのチクルスは、一演奏会で3曲の交響曲っていうハードな企画だったね。

　定期でのドイツ物を徹底的に避けた井上道義（音楽監督、っていうポジションではなかったよね、多分）はやらなかったけど、尾高さんは、就任後早速、ベートーヴェンチクルスを振ったね。7年前になるのかな。

　そして、今回。尾高さんが大フィルと2度目のチクルス。

　9年（？）かけて、ブルックナーの交響曲全曲をレコーディングして、それが完成した翌年に二度目のベートーヴェン、っていうと、どうしても大フィル音楽監督としての集大成、とか思ってしまうのだけれど、まだそういうニュースは聞こえてこないよね。

　というわけで、尾高さんのベートーヴェン、26年前に朝比奈さんのベートーヴェンを聴いた（近くの）席、シンフォニーホール2階の右側最前列から、聴かせてもらいました。

　前回の尾高さんのベートーヴェン、あんまり良く覚えていないんだよね。その頃出張とか多くって、シリーズでとったチケットもずいぶん無駄にしてしまう事があって。全階のシリーズも多分2回か3回しか聴けてないんだよね。Blogを見てみても、記録も残ってないし。

　その前の、オオウエエイジのチクルスは印象に残っていて。交響曲を順番に3曲ずつ、演奏するチクルスだったから、1，2，3番、4，5，6番って2回の演奏会で進んでったんだよね。9番はさすがに独立したから、7，8番と9番の残り2回で完結したのだけれど。

　この時は、1番を聴いて、なんかとんでもないことが起こっている、ってぞわぞわして、そして、2番が神曲、神演奏に聴こえたんだよね。3番はさすがに体力的にしんどかった記憶があるけれど。ベートーヴェンと云えば合唱、運命、田園、英雄などのタイトルがついている交響曲が人気あるけれど、1，2番って云う初期の、地味（？）な交響曲も棄てがたい、って思ったんだよね。

　まあいいや、今回の尾高さん、だよね。

　2階席から見る今回の編成は、こぢんまりとしていてね。初期の交響曲だから、トロンボンは編成に入っていなくって、金管はトランペット2本とホルン2本、木管だってクラリネット、ファゴット、フルート、ダブルリードそれぞれ二人ずつ。それに大フィルさんから見たら十分小編成の弦楽器とティンパニ。2階席から見ると、それがステージ中央にこぢんまりと乗っかっていて。

　そして、序曲。プロメテウスの創造。

　ベートーヴェンの曲を、ひと言で云うとね、「ゲージツは、爆発だ」。

　破裂音が多いんだよね。破裂音、っていうのか、Tuttiでみんなで短音をフォルテシモでドカン、っていうやつ。英雄の冒頭のジャン、、、ジャン、、、とか、運命のジャジャジャジャーンもその変形だし。今回の曲も含めて、序曲のはじまりにもそういうの多いよね。

　俺の曲が始まるぞ、みんなこっち向いて集中しろ。自己顕示欲の強い（といわれている）ベートーヴェンさんだから、この位のことは考えていたんだろうと思うんだよね。

　それはものすごく効果的で。

　短音の連発にこもる指揮者と演奏者の間の緊張感っていうのかな。見てると予備動作もあんまりない尾高さんの手から、エッヂの効いたTuttiが繰り出されていく。ああ、やっぱりベートーヴェンは爆発なんだ。

　多分1番の感想と混ざり合っているけれど。

　爆発のあとの響きが、なんかブラームス的なのがちょっと気になってるんだよね。ブラームスを生でも録音でもいいから聞くときに良く感じる、中音域がこもって、音域のレンジが小さいんじゃないか、っていう音。AMラジオで聴いているみたいな、ね。音域に枠をはめて四角く切り取っているみたいだから、僕は箱庭的な音、って呼んでいるのだけれどもね。

　1番を聞いていると、クラリネットとかの木管のフレーズにホルンが被さっていて。その音色が本当に見事にひとつの音に溶けあっていて別々には聴こえないんだけど、そこで高音域がスポイルされてるのかなあ。とか、弦のTuttiにティンパニが入る時に、ティンパニが弦の少なさに遠慮して小さく叩くとそういう箱庭的な音になるのかな、とかいろいろ考えていたんだけど、よく分からないや。

　しかし、この1番、立派だね。

　尾高さんの振る大フィルさんの音、中身が詰まった音、っていうことで、みっしりっていう言い方をよくしてきたのだけれど、そのみっしりさがすごく感じられて。いいなあ。

　ベートーヴェンの中では大曲ではないし、有名な人気曲、っていうわけではないのだけれど、でも、ベートーヴェンそのものだよね。『鷹の爪』って云ったのは朝比奈さんだっけ？　全体像は見えていないけれど、確かにベートーヴェンの一部分であってそれだけで既に秀でている、っていう意味だと思うけれど、その通りだね。あ、鷹の爪って唐辛子じゃないよ。

　休憩あとの2番は、弦楽器が少し増えた。

　オオウエエイジのときに1番以上のインパクトを感じて神曲認定した曲だから、期待したのだけれどもね。

　今回は、1番の方がよかったなあ。

　なんか、編成を大きくした分、タイトさが無くなっちゃったような気がするんだよね。

　ホルンが高橋さんに変わったおかげで、木管とのSoliでホルンが（見た目的にも）勝ってしまう感じもするし。

　まあ、でも。

　ベートーヴェン楽しい。

　原点にして、頂点。

　尾高ベートーヴェンの頂点、期待してるよ。年末じゃない第九って、なんか特別感あってそれもいいよね。

　ただ、それだけのはなし。

2025年9月10日(水)

ザ・シンフォニーホール特別演奏会

ベートーヴェン・チクルス～原点にして頂点～Ⅰ

指揮：尾高忠明

　大阪フィルハーモニー交響楽団

ベートーヴェン

　バレエ音楽「プロメテウスの創造物」op.43 序曲

　交響曲第1番ハ長調 op.21

　交響曲第2番ニ長調 op.36

なにわブルースフェスティバル2025 おっさん達の大宴会

Thu, 09 Oct 2025 17:09:40 +0900

　ちょっと前にね、なにわブルースフェスティバルを観に行ったのだけれど。3日間開催の、3日目。千秋楽。

　なんばHatchで行われているこのフェスティバル、もう10回目になるんだね。区長が出てきた初回から、僕は毎回というわけではないけれど、とびとびで5，6回目くらいなのかな。

　なにわのブルースといったらこの人、木村充揮はもちろん毎回の中心人物なのだけれど、大阪のブルースを作ってきた有山じゅんじ、上田正樹。日本のブルースを支えてきた永井ホトケや、今回はいなかったけれど近藤房之助とかのブルースミュージシャンに混じって、けんけんのお母さん、金子マリやら、泉谷しげる、BEGIN、とかの大御所だったり、大西ユカリとか、韻シストとか、今回だったらT字路sとか、Hillandonとか。ライブハウスでがんばっている若い人たちも一遍に聴くことができる、お得なフェス、なんだよね。

　ブルースって、特になにわのブルースっていったら、憂歌団とか、上田正樹と有山じゅんじのアルバム、ぼちぼちいこかとかのイメージが強いと思うのだけれど。

　それはそれで、彼らが聴いて、影響を受けたアメリカ音楽のブルースっていうものを、彼らなりに消化して、昇華して作ってきた、なにわのブルース、なんだよね。

　もともとのブルースって、南部の木綿畑で奴隷として働かされていた黒人が、日曜の前の晩に、疲れた身体を、明日は労働がないっていう開放感で鼓舞して、毎日の暮らしは辛いけど、今この瞬間は楽しく踊ろうぜ、って。ギター一本で、即興の歌で、終わりのない踊るための音楽。

　音楽家が採譜して、分析して。やれ1コーラスが12小節だの、ブルーノートだの。そういうのはみんな後付け。

　とはいえ、ロバートジョンソンが綿花畑で歌ってたのか、それとも分析された後のブルース野郎なのか、そんなことも僕は知らないのだけれどもね。

　花村萬月、っていう小説家が、その名も「ブルース」って云う小説を書いていてね。そこからちょっとだけ引用させてもらうけど。

　＝＝＝引用＝＝＝

　ブルースは、その音楽的構造はシンプルでも、魂は複雑だ。

　哀しいから、哀しい曲調で唄うといったことをしない。詞はヘヴィイでも、ヴギだ、シャッフルだ、哀しいからこそ思いきり跳ねてみる。

　ブルースのほとんどは長音階でできている。わざとらしい泣き節の短音階のブルースは、わざわざマイナー・ブルースと注釈がつくほど少ない。

　露骨に泣かない、あるいは涙は出尽くした。

　ブルーノートでちょっとだけ打つな音をつぶやくように出しておいて、思いきり陽気にジャンプする。“トラベル・イン・マインド”も、よく跳ねる曲だ。

　＝＝＝引用ここまで＝＝＝

　なんでこんな事いってるかっていうと、今年のフェスには、こういう日本化していない、オリジナルのブルースのスタンダードを、きちんと聴くことができたから、なんだよね。

　blues, the-bucher-59213っていう、永井“ホトケ”隆のバンドなんだけど。

　永井ホトケ隆ってね。関西のブルースシーンの、精神的支柱、っていうイメージなんだよね。憂歌団も上田正樹も、ブルースやR&Bをベースにした日本の歌を作っていったのに対して、永井さんはあくまでアメリカのブルースにこだわった。あくまでイメージだけどね。

　その永井ホトケが、ニューオーリンズのギタリスト、山岸潤史をゲストに迎えてのブルースバンド。その山岸さんは、フライングVっていうアルバート・キング愛用のギターを持ってきて（亡くなったブルース仲間の遺品を借りてきたらしい）、キレキレのカッティングから、泣きのソロまで。

　ああ、ブルース・フェスなんだ。って堪能しました。

　もちろん、内田勘九郎と木村充揮のデュオとかも感動的だったし。上田正樹のところのYoshie.Nも、聴くたんびに凄みが増していってるし。

　前回（って僕が聴いた前回だから2年前、なのかな）、泉谷しげるが、吉田拓郎のえビュー曲「イメージの詩」を歌って、「18の時にこんなすごい曲を作った、すごいやつなんだ。またステージに戻りたいって云うかもしれないけど、その時は暖かく迎えてやってくれよな」っていったときも泣いたけど。いつもの安定のプログラムに加えて、たまのアクセントが効くんだよね。

　4時から始まった最終日、10時前には終わったのかな。ああ、面白かった。また、来年か再来年を楽しみにしてるよ。

　ただ、それだけのはなし。

PAC アルミンクのブルックナー7番

Wed, 26 Feb 2025 09:20:53 +0900

　ちょっと前に、大フィルさんの4番を聴いて、ブルックナー聴きすぎなのかな、と思ったりもしたのだけれど。

　その次の週もまた、聴きに行って来たよ。

　兵庫芸術文化センター管弦楽団（PAC)の、ブルックナー第7番。

　プログラムの前半は、ジャズのトロンボンプレイヤー、中川英二郎のトロンボン協奏曲、なんだよね？　Trisenseっていう曲。

　中川さんは、JJジョンソン以来の、というか史上最高の速吹きトロンボニスト。トロンボン界のアラン・ホールズワースみたいな人で。最初のリーダー作が16歳の時だったのかな。その時の衝撃を鮮烈に覚えているよ。

　マイケルとランディのブレッカーブラザースの「Heavy Metal Be Bop」っていうアルバムのライナーノートに、「日本中のフュージョン小僧の目を点にした」っていうフレーズがあって。リアルタイムには間に合わなかったけれど、あとから聴いてもそれは間違いなくそうだっただろう、って納得したのだけれど。

　この、中川君のデビュー作 Eijiro Nakagawa &Funk' 55の一曲目、SCRAMBLEも、全てのジャズトロンボン小僧の目を点にして、酸欠でぶっ倒した演奏だったんだよ。

　ブッパヤの、共演者誰もついてこれないブルース。デビューアルバムの一曲目なのに、なかなか廻ってこないソロ。共演者がしどろもどろになりながらソロを廻して、最後、コーラス終わりのリフから、ブレイク。そのあと2コーラスの無伴奏アドリブ。ちょっとトロンボンをかじった人なら、そのブレイクの間は息が吸えない、圧巻の速吹き。

　この前はお父ちゃんとご機嫌なディキシーランドジャズを聴かせてくれたけどね。

　その中川君（デビュー作が、たぶん僕が大学生の頃で、その時16歳だったから、中川君って呼んでるんだよね、僕の中で。）が書いた、元々はなんだろう、トロンボンとピアノのデュオのために作った曲を、音楽一家中川家のお兄ちゃんにオーケストレーションしてもらって、協奏曲として演奏してくれたのが、今回のトライセンス。

　思ったほどジャズジャズしていなくて、大きなベルのトロンボンで朗々と歌う中川英二郎。やっぱり上手いなあ。

　アンコールは、アメイジング・ブレイス。

　ブルックナーの前にジャズ？　プログラム見たときにはそんなことをちらっと思ったりもしたのだけれど、そんなにジャズではなく、堂々たるトロンボン協奏曲でした。

　さて、ブルックナーの7番。

　今回は2階席から視ているから、編成がよく見えるのだけれど、ワグナーチューバ4本とホルン5本を並べる金管群と比べて、木管楽器って全部で8人しかいないんだね。ちょっと意外。

　指揮者のアルミンクさんは新日フィル、去年からは広島交響楽団の音楽監督もやっている、日本ではおなじみの人なんだね。僕は多分はじめてだけれども。

　さて、PACからでてくるブルックナーの響きは。

　その前に、ちょっと前に久しぶりに、朝比奈さんのブルックナーの新作（？）が発売になったんだよね。もちろん新録音ではなくって、過去のライブ演奏の初発売、っていうことなのだけれど。1978年の東京都交響楽団のライブ。この組み合わせでの初めてのブルックナー7番。

　1970年代って、まだまだ日本のオケは海外のオケの演奏レベルには達していない、って思われていたし、だから高校生がお小遣いを持ってレコード屋さんで2時間悩んだ挙げ句に手に取るのは、海外のオケとか指揮者のレコードが多かったのだけれども。

　そんな時代の、都響のブルックナーの演奏をあらためて聴いてね。なんか、涙が出そうになったんだよね。

　なんて魅力的、なんだろうって。

　もちろん、朝比奈さんの指揮だと思って聴くからひいき目に感じるところが大きいし、この時代のアナログ録音の、ざらっとした音質が気分をもり立ててくれるのだろうけれど。

　なんていうか、演奏者の息づかいっていうのか、気迫っていうのか。目の粗いのこぎりで大木を切っていく、そんなエッジの効いた演奏が生々しく聞こえてくるんだよね。

　これがあったかい演奏なんだろうな、って嬉しい新作だったんだよ。

　あ、PACの演奏だよね。

　冒頭、ヴァイオリンのトレモロから浮き出てくるチェロとホルンの上昇音型。僕は最初、チェロにばっかり目と耳がいって、ホルンがソロでユニゾンしてるのに気がつかなかったんだよね。それほど、自然に溶け込んで聞こえたんだ。

　ホルンのソロだから、張り切って吹くのではなくて、音色も、アーティキュレーションも、音量もチェロと溶けあうように気を遣って。もちろんピッチは完璧。

　なんて丁寧な演奏なんだろう。

　最初の4小節で感じた事が、そのあともずっと続いたんだよね。

　僕がオーケストラのコンサートを聴き始めた頃の感想を読み返すと、ピッチとか音の長さとか、そういうことに気を遣う丁寧さとか、そういうことに良く言及していたな、と思うんだよね。今でもそうだけれど、音楽の構築力とかフレージングとか、そんなことが分かる耳もないから、吹奏楽時代にコーチに仕込まれたポイントで演奏を聴いている感じなのだけれど。

　いつの間にか、そういうところを丁寧に聴くのをやめちゃってたのかな。それと共に、感想を残さなかったり、買ったチケットをブダにすることも多くなっていたのかな。

　あとになって、そんなことを考えたくらい、この演奏を聴いている時には、弦のエッジとか、ホルンやワグナーチューバのロングトーンの音の切り方や変わらないピッチや。ラッパのちょっと苦しげな音色とか。

　そういう細かいところに、すごく耳がいったんだよね。

　そして、そういう細かいところが、とっても魅力的な演奏、だったんだよね。

　特に、何度かある全休止。ブルックナー休止っていわれるその無音の時間。音の響きがホールに吸い込まれていって、演奏中は常になっている音がなくなる無の瞬間。

　これって、全員の譜面に休符を書いたら実現するわけじゃなくってね。

　全休符に至までのフレーズの盛り上げ方、音の切り方、観客の咳払いを押さえ込む演奏の緊張感。ホールの残響。そういうものが重なって、印象的なブルックナー休止になるのだけれど。

　何度も出現したよ。印象的なブルックナー休止。

　プログラムのメンバー表を見ると、そもそものメンバーはそんなに多くなくって、特にこんな大編成の曲の時は、トラの方が多いのだろうけれど。

　にも関わらず音の長さ、切り方、ピッチ、息継ぎのタイミング。そんなことを徹底して、丁寧な演奏を聴かせてくれるのは、オケの文化なのか、アルミンクさんの指導なのか。

　よく分からないけれど、気持ちの良い演奏だったよ。

　70年代の都響に感じた、発展途上の熱さとひたむきさ、それらを感じることができる魅力的な演奏、楽しみにしてるね。

　ただ、それだけのはなし。

尾高さんの、ブルックナー完結

Tue, 18 Feb 2025 16:50:10 +0900

　去年は、ブルックナーの生誕200年の年で。

　大フィルさんをはじめ、いろんなオケがブルックナーの交響曲をたくさん演奏してくれたのだけれど。

　年が明けて、2025年2月。大フィルさんの定期では、ブルックナーの4番が演奏されたんだ。

　尾高さんが大フィルの音楽監督になってから、定期やその他の演奏会で、コツコツと年にひとつずつくらいブルックナーを演奏して。大半は東京での演奏の録音だけれど、コツコツとCDを出していたのも、6曲までは発売されて。

　去年、特別演奏会で0，1，2番をエイヤって演奏・録音して。

　そして、最後に残った4番を、この定期と、東京定期として演奏して、全曲録音、完結なんだね。

　演奏会場には、去年の0，1，2番のCDが先行発売されていたから、買い求めて。

　最後の4番、どういう演奏を聴かせてくれるんだろうね。

　しかし、東京の人は、この数年、大フィルさんといえばブルックナーしか聴いていない、っていうことになるのかな？　大フィルはブルックナーのオケと思われていると想像するけれど、それは朝比奈さんのおかげではなくて、もう尾高さんのせい、なのかもしれないね。

　前半の曲は、松村禎三っていう方の、管弦楽のための前奏曲。20年くらい前まで存命だった、伊福部昭さんと同時代の作曲家らしいけれど、初めての曲。

　現代ヨーロッパの分かを否定していた人らしく、いわゆるクラシック音楽の方法論ではない曲で、それはまあ伊福部さんもそうなのだけれど、この曲はなかなか癖があるね。

　ヴァイオリンとピッコロが高音域でロングトーンをしている、としか覚えていないけれど、ちょっと耳にさわるキーキー音。ピッコロのピッチがずれないのはすごいなと思うけれど、ごめん、そのくらいしか感想がないや。

　という事で、休憩はさんでブルックナー。

　大フィルさんは、金管楽器のトップ奏者は、後半しかステージに載せないことにしているらしく、僕が大好きなホルンの高橋さんも、トロンボンの福田さんも、メイン曲しか載らないんだよね。

　と思っていたら、後半になってもトロンボンは男性ばっかり。あれ、福田さんいないんだ。

　この前の1番で、そこまでやるか、っていうくらいバリバリ吼えていたトロンボン隊を率いている福田さん。今回も楽しみにしていたのに、ちょっとしょんぼり。

　まあでも、4番の主役はホルンだからね。それを楽しみにしようかな。

　なのだけれど。

　この演奏、どう言葉にしたらいいんだろう。

　冒頭のホルンが、ちょっとだけ完璧でなかったからなのか、そのあとの16分音符の唄い方ほんのちょっと違和感があるのか、そのあとのトゥッティのバランスのせいなのか。

　ああ、0，2，1番の演奏の続きではないんだな、って感じたんだよね。

　別に、去年の0，1，2番の演奏が好みだったか、というとそういう訳でもないし、あったかみ、という事ではこの4番の方が僕の持っている尾高さんのイメージに近いのだけれども。

　なんか、福田さんのいないトロンボンがあまり前に出てこないような気がして、それが曲の解釈のせいなのか、そうでないのかって悶々としちゃう演奏だったね。

　そして、4番の4楽章を聴くといつも思いだしてしまうのが、ガラガラのシンフォニーホールで聴いた、朝比奈さんの4番。

　シンフォニーホールの、丸みを帯びた反射板がつり下がっている高い天井から、朝比奈さんに光が射して、フランダースの犬の最後のシーンのネロみたいに見えたんだよね。

　それを思いだして、フィナーレ聴いているときに天井を見上げてみたけれど、フェスティバルホールの無機質な天上からは光が射すわけもなく、現実の音として、あったかい、みっしりとした、等身大の4番が聴こえてきたよ。

　ちょっとブルックナー聴き過ぎちゃったかな。

　尾高さんのブルックナーって、どうだったんだっけって確かめるために、発売ごとにコツコツ買ってきた尾高さんのCD、ちょっとまとめて聴いてみようっと。

　ただ、それだけのはなし。

ただ、それだけのはなし

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